Cine - Blow up basado en Las babas del Diablo por Julio Cortazar

Director: M. Antonioni , libremente inspirado en el relato de Julio Cortázar “Las babas del diablo” . Guión: M. Antonioni, Tonino Guerra , con la colaboración de Edward Bond (dialogos en inglés).
Fotografía: (Metrocolor) Carlo di Palma .
Montaje: Frank Clarke . Escenografía: Asheton Gorton .
Música: Herbie Hancock . (Canción: “Stroll On” por The Yardbirds )
Intérpretes: David Hemmings (Thomas), Vanessa Redgrave (Jane), Sarah Miles (Patricia), Peter Bowles (Ron), Verushka, Jill Kennington, Peggy Moffit, Jane Birkin, Rosaleen Murray, Ann Norman . Producción: Carlo Ponti para MGM (Gran Bretaña). Duración: 110 minutos.

Michelangelo Antonioni, “El maestro”, no deja indiferente. Sus películas o bien tienen defensores a ultranza, o bien están los que nos preguntamos qué claves ocultas tiene este director para haber alcanzado el estatus conseguido dentro del mundo del cine. Hace unos días hablé de “El eclipse” y me despaché a gusto.
Pero volví a darle otra oportunidad, y que mejor que echar mano de “Blow up“, un icono cultural de la década de los sesenta, referente para multitud de cineastas, y un tupido tapiz de la sociedad británica de esos años. La película data de 1966, cumple pues este año su cuarenta aniversario.
Antonioni echa un vistazo a su alrededor y plasma el amor libre, las noches de alcohol y porros, los conciertos donde se destrozan guitarras, todo ello con gran colorido, y vestidos y peinados a la última, de mano de bellas modelos, todas ellas anoréxicas que pueblan el estudio fotográfico del protagonista.
La historia de Blow up parte del relato de Julio Cortázar, “las babas del diablo” de quien Antonioni toma sólo la idea: un fotógrafo profesional descubre al revelar y ampliar un carrete de fotografías algo que a simple vista no había sido capaz de ver. El agrandamiento de las imágenes es lo que se denomina “blow up”.
¿Pero de qué va Blow up?. Dejemos que se explique su director.
“Necesitaré al menos otro film para explicar “Blow up” (Rueda de prensa Festival de Cannes, mayo de 1967)
De nuevo, más allá de que la gente entendiera o no la película la crítica se rinde nuevamente a sus pies y gana la Palma de Oro en Cannes en 1967 y fue nominada a dos Oscars en las categorías de guión y dirección.
El director nos da más pistas sobre la película:Vanessa Readgrave“Cuando se utilizan ampliadoras […] pueden verse cosas que probablemente el ojo desnudo no sería capaz de captar […]. El fotógrafo de Blow Up, que no es un filósofo, quiere ver las cosas más de cerca. Pero lo que sucede es que, al ampliarlas demasiado, el objeto se desintegra y desaparece. por lo tanto, hay un momento en que asimos la realidad, pero ese momento pasa. Este es en parte el significado de Blow up” (Michelangelo Antonioni).
Más allá de las disquisiciones filosóficas, del más aquí y del más allá, de lo real y lo fantástico, de los planos superpuestos, abiertos a la irrealidad hipercósmica, con el final, en el que el protagonista desaparece fundido en el “gran verde”, tras seguir el juego a unos mimos que juegan al tenis con una bola imaginaria, creo que me lo pensaré más de una vez antes de ver algo más de “El maetro” Antonioni.

Cine- El Séptimo Sello de Ingmar Bergman

El Séptimo Sello-1957 por Sara Rodríguez Mata

El miedo nos hace buscar una imagen salvadora y esa imagen es Dios.

El universo cinematográfico de Bergman es uno de los más complicados. Sus películas son ejercicios de pura introspección, en los que el director sueco plantea cuestiones y reflexiones que no sólo le afectan a él como ser humano sino que son temas universales que todas las personas nos hemos planteado en algún momento de nuestra vida. Desde muy temprano fue conocido en Europa como un "autor complicado, atormentado y oscuro". Su cine -salvo contadas excepciones- se preocupa por tratar problemas humanos como la soledad, la incomprensión de la pareja, el final de la vida (el hombre ante la muerte), la existencia de Dios…
Beng Ekerot (la Parca) y Max Von Sydow (el Caballero Cruzado): El Séptimo Sello
Como no podía ser menos, la muerte y todos los interrogantes que lleva consigo es la gran pregunta que religiosos y ateos pretenden responder. ¿A dónde vamos cuando morimos? ¿Qué hay más allá de la muerte? Estas preguntas torturan la mente del caballero Antonius Block (Max Von Sydow), quien a la vuelta de las cruzadas se encuentra con una Suecia asolada por la peste, y La Muerte que lo espera… Con la intención de alargar el tiempo de vida y encontrar un sentido a lo que ha sido su existencia, el joven caballero reta a La Muerte a jugar una partida de ajedrez: si gana, ésta lo dejará irse; pero si pierde, lo llevará consigo.
Beng Ekerot y Max Von Sydow.El título de esta obra moral de Ingmar Bergman -extraído de su propia obra teatral Pintura en madera- fue tomado del libro del Apocalipsis de San Juan. "Pintura en madera" fue una obra dramática que escribió para trabajar con sus alumnos de interpretación. Bergman -que en esta obra aludió a las pinturas medievales que trataban la danza de la muerte y los días del Apocalipsis- recuerda que escucha de fondo, para inspirarse, Carmina Burana de Es un intento de poesía moderna, que traduce las experiencias vitales de un hombre moderno en una forma que trata muy libremente los hechos medievales. En el Medioevo los hombres vivían en el temor de la peste. Hoy viven en el temor de la bomba atómica. El séptimo sello es una alegoría con un tema muy sencillo: el hombre, su eterna búsqueda de Dios y la muerte como única certidumbre».
Es cierto, esta película está en plena vigencia: los protagonistas son unos cruzados que vuelven de la guerra a un mundo atacado por el terror, la peste, la angustia permanente de la muerte…Hoy, en pleno siglo XXI, la gente sigue sintiendo terror a las guerras, al exilio, al dolor, y también hay soldados que vuelven de las guerras, que se confunden en el anonimato –si pueden- o se quedan trastornados para siempre.El film de 1957 es en blanco y negro, lo que hace mucho más interesante el juego simbólico de todos los elementos que componen esta magistral obra. El negro (la muerte) contrasta con el blanco que caracteriza a los elementos más puros y nobles: los caballeros (negro), los juglares, el niño pequeño y el joven matrimonio (blanco). También el tablero de ajedrez y con sus fichas blancas y negras intensifican la relación entre el blanco y negro, la vida y la muerte.

Cine y Literatura - Marcel Proust

El tiempo recobrado basado en la obra de Marcel Proust

La lente de la cámara nos muestra una habitación en la que el anciano Marcel Proust (André Engel), en su lecho de muerte, dicta frases de su novela a una secretaria. Como el dictado se hace tan monótono y cansador para el enfermo, debido a su fatiga crónica, solicita el manuscrito para ponerse a escribir él mismo. Luego, en vez de escribir, se dedica a ver con una lupa las fotografías de los personajes que transitó durante su vida, sus padres, sus amores, los barones, duques y demás integrantes de la clase parasitaria y, por fin, el propio Proust, de niño. A medida que esta secuencia se desarrolla (estamos contando los primeros 5 minutos de película nomás), la cámara comienza a realizar un movimiento horizontal de ida y vuelta en que percibimos cómo algunas estructuras de muebles se mueven a distinta velocidad dependiendo de nuestro ángulo de visión y distancia. Al igual que en las grandes obras maestras del arte (usualmente en música o cine), el director chileno Raúl Ruiz nos ofrece en sus primeros compases de celuloide la tónica de los recursos que utilizará durante toda la película. El resto del metraje consiste en una larga sucesión de secuencias con diálogos entre personajes de una nobleza decadente y un recorrido por la vida de Proust, con episodios de su niñez y de su vida adulta, ya como autor medianamente reconocido. De esta manera, en la adaptación al cine del último libro de la extensa À la récherche du temps perdu (En busca del tiempo perdido, 1913 a 1927), Ruiz opta por promover al propio Proust (Marcello Mazzarella) como protagonista, en vez de Charles Swann (protagonista de la novela original), ofreciendo similar sumatoria de conceptos que la novela: homosexualidad (masculina o femenina), arte y snobismo, la música culta y el carácter artístico, la superposición de rostros (ancianos y jóvenes)... Pero por sobre todo está el tema de la memoria en sí, que la película trata de plasmar como una aleatoria divagación en que una percepción (imagen, sonido, sensación) retrotrae al protagonista a otra época. La vida y la muerte, la bondad o la malevolencia, la niñez y la madurez, todos son episodios que viven en la memoria. Viviendo un presente continuo, el ser afronta la realidad en tiempo real y los recuerdos en un tiempo paralelo. De ahí que un episodio que tardó horas en desarrollarse puede ser evocado en un tris. La película opta por la tesis de extenderse el tiempo que sea necesario "en busca de ese tiempo perdido" y Proust se codea con el abiertamente homosexual barón Charlus (John Malkovich, brillante), la eternamente joven Odette (Catherine Deneuve, magnética como siempre), el rebelde Morel (Vincent Perez) o el militarista gay St.-Loup (Pascal Greggory). Entre round y round, hay diálogos sutiles que, en una trama donde virtualmente no ocurre mucho, cobran relevante trascendencia. La película es un magistral acierto en cuanto a ambientación e imaginería visual (mérito del director de fotografía Ricardo Aronovich), sin embargo, plantea un esfuerzo padre para cualquier espectador no familiarizado con la figura de Marcel Proust que se enfrenta a un filme sin una estructura narrativa tradicional y que debe armar un rompecabezas de piezas que no solo no encajan entre sí sino que tampoco son para armar.
Episodios que viven en la memoria. El tiempo recobrado. Director: Raúl Ruiz. Adaptación de En busca del tiempo perdido de Marcel Proust. Francia, 1999. Guión: Raúl Ruiz, Gilles Taurand. Elenco: Catherine Deneuve, Emmanuelle Béart, Vincent Perez, John Malkovich, Pascal Greggory, Marcello Mazzarella, Marie-France Pisier, Chiara Mastroianni. Por Darío Lavia (webmaster de http://www.cinefania.com
*Agradezco la colaboración de: http://letraceluloide.blogspot.com/

Historia del Cine- Ingmar Bergman. Detrás del velo, existencia por Yamila Greco

No es la intención de este texto realizar el análisis técnico de la obra del cineasta Ingmar Bergman, sino exponer aquello que ocurre al enfrentar el trabajo de un artista que intuye presencias.

Acercarse a sus películas es acercarse a la vida. Allí la pulpa, el secreto; lo que no se advierte a simple vista; la vida que, sin embargo, no pide permiso para surgir, la vida que circula incontrolable en el perfil agrietado de un gesto, o en el movimiento deteriorado de los labios.

Existe en lo visual vestigio de un lenguaje que hace imposible los lazos con el silencio

En una escena de la película “La Pasión de Anna” (En Passion,1969), Liv Ullman cuenta a Max von Sydow, el terrible accidente donde mueren su esposo e hijo. En ese dolor descarnado, se revelan indicios de un aspecto humano (astuto o compungido?) mediante el cual Bergman nos incluye en las tierras superpobladas de la desconfianza. Anna narra su tormento. Existe, en ese decirse, un desahogo; un desahogo que llega con la muerte; un desahogo, la muerte, únicamente posible para los que permancecen de este lado, no para los muertos. “Nunca creí que la vida sería así. Nunca creí que la vida sería un sufrimiento diario”. Nostalgia hecha carne, sollozo hacia la libertad. ¿Es posible desenredar los hilos que nos conducen a la infancia?

En “De la Vida de las Marionetas” (Aus dem Leben der Marionetten, 1980), Tim agobiado por una vejez ya incipiente, habita los espejos. La imágen es múltiple: Tim-su forma, Katharina-su forma, la forma de Tim en otras formas propias aún no aceptadas, no reconocidas. Tim afirma que la ropa lo hace aún más viejo, trasladándonos a la raíz misma de la muerte, del nacimiento: “Soy un niño aún. O quizás no soy un niño nunca más después de todo”.


La unión como soberbia social

Los actores parecieran ser astillas desprendidas de nuestro reflejo. Ahí, donde nadie es más externo a nosotros que nosotros mismos, el dolor es huérfano. En aquel lugar por el reposo ignorado, creamos y destruímos, asimilando nuestra semejanza con Dios. Pero, ¿qué sucede con los otros?

Día a día convivimos el mundo. Si se trata del prójimo, rápidamente buscamos calor en la capucha del verdugo, sin embargo, la intuición nos desborda, la pugna entre el resguardo y la necesidad, nos persigue. El instinto respira: la memoria nos recuerda vivos

¿Cómo mirar a Karin (Sasom i en spegel, 1961), cómo solidarizarme, hacerla propia, si de este lado la desoigo, la rechazo?

Todo ser humano marcado, agobiado, es apartado por el mundo con un golpe de puño. Habita, bajo aquella arrogancia, la parálisis general, enmascarada por el sustento, defensa histórica, acuerdo únicamente posible en la abstracción.

Uno espera, el otro también. Abrazamos la máscara, porque es real, pero tememos que ceda, limitando así nuestra existencia.

Será que todo lo que disponemos es la idea, el ahora, lo fáctico, sin ser capaces de asumir la responsabilidad, el hecho, lo consumado? Acaso la palabra no sea posible si no es posible confiar en quien la porta.

Creer o no creer es confiar o no en el hombre, en nosotros mismos.

El ser humano como certeza

En cuanto a nosotros ¿Cuál es la diferencia entre aquellos y la realidad? El cine, entre otras cosas, es resúmen, es cierto. Sin embargo, la reserva, el torbellino cotidiano, muchas veces logra que la vida también lo sea.

Son aquellos primeros planos una burla, una imitación de los vasos con que nos acercamos a la vida, por medio de un escudo, el artista en este caso.
¿Estamos dispuestos, en lugar de erigir estatuas irreconocibles, a darle nuestra propia cara a Dios frente al espejo?

La vida nos espera si logramos avanzar en la figura, abriendo así, el camino hacia el hombre, hacia la posibilidad.

Ingmar Bergman lo sabe. Su obra es la de alguien que nos sospecha.


Filmografía

1945 • Crisis (Kris) • *
Guión: Ingmar Bergman basado en la obra teatral de Leck Fischer

1946 • Llueve sobre nuestro amor (Det regnar pa var kärlek) •
Guión: Ingmar Bergman y Herbert Grevenius

1947 • Barco hacia la India (Skeep till Indialand) •
Guión: Ingmar Bergman basado en la obra teatral de Martin Söderkjelm

1947 • Noche eterna (Musik i mörker) •
Guión: Dagmar Edqvist

1948 • Ciudad Portuaria (Hamnstad) •
Guión: Ingmar Bergman sobre la obra de Olle Länsberg

1948 • Prisión (Fängelse) •
Guión: Ingmar Bergman

1949 • La sed (Törst) •
Guión: Herbert Grevenius basado en una obra de Birgit Tengroth

1949 • Hacia la felicidad (Till gladje) •
Guión: Ingmar Bergman

1950 • Esto no puede ocurrir aquí (Sant händer inte här) •
Guión: Herbert Grevenius

1951 • Juegos de verano (Sommarlek) •
Guión: Ingmar Bergman y Herbert Grevenius

1952 • Tres mujeres (Kvinnors vantan) •
Guión: Ingmar Bergman

1952 • Un verano con Mónica (Sommaren med Monika) •
Guión: Ingmar Bergman y Per-Anders Fogelström

1953 • Noche de circo (Gycklarnas afton) •*
Guión: Ingmar Bergman

1954 • Una lección de amor (En lektion i kärlek) •
Guión: Ingmar Bergman

1955 • Sueños (Kvinnodröm) •
Guión: Ingmar Bergman

1955 • Sonrisas de una noche de verano (Sommarnattens leende) •
Guión: Ingmar Bergman

1956 • El séptimo sello (Det sjunde inseglet) •*
Guión: Ingmar Bergman

1957 • Fresas salvajes (Smultronstället) •*
Guión: Ingmar Bergman

1958 • En el umbral de la vida (Nära livet) •
Guión: Ingmar Bergman y Ulla Isaksson

1958 • El rostro (Ansiktet) •
Guión: Ingmar Bergman

1959 • El manantial de la doncella (Jungfrukällan) •
Guión: Ulla Isaksson *

1960 • El ojo del diablo (Djävulens öga) •
Guión: Ingmar Bergman

1961 • Como en un espejo (Sasom i en spegel) •
Guión: Ingmar Bergman *

1962 • Los comulgantes (Nattvardsgästerna) •
Guión: Ingmar Bergman

1963 • El silencio (Tystnaden) •
Guión: Ingmar Bergman *

1964 • ¡Esas mujeres! (För att inte tala om alla dessa kvinnor) •
Guión: Ingmar Bergman y Erland Josephson

1966 • Persona (Persona) •
Guión: Ingmar Bergman *

1967 • Daniel (Episodio de Stimulantia) •
Guión: Ingmar Bergman

1967 • La hora del lobo (Vargtimmen) •
Guión: Ingmar Bergman *

1968 • La vergüenza (Skammen) •
Guión: Ingmar Bergman *

1968 • El rito (Riten) •
Guión: Ingmar Bergman

1969 • Pasión (En passion) •
Guión: Ingmar Bergman *

1971 • La carcoma (Beroringen) •
Guión: Ingmar Bergman

1972 • Gritos y susurros (Viskningar och rop) •
Guión: Ingmar Bergman *

1973 • Secretos de un matrimonio (Scener ur ett äktenskap) •
Guión: Ingmar Bergman *

1974 • La flauta mágica (Trollflöjten) •
Guión: Ingmar Bergman

1975 • Cara a Cara (Ansikte mot ansikte) •
Guión: Ingmar Bergman

1977 • El huevo de la serpiente (Das Schlangenei) •
Guión: Ingmar Bergman *

1978 • Sonata de otoño (Höstsonaten) •
Guión: Ingmar Bergman

1980 • De la vida de las marionetas (Aus dem leben der marionetten) •
Guión: Ingmar Bergman *

1982 • Fanny y Alexander (Fanny och Alexander) •
Guión: Ingmar Bergman *

1982 • Después del ensayo (Efter repitionen) •
Guión: Ingmar Bergman

Crónica Cinematográfica por Jorgelina Atkinson

Pequeña Miss Sunshine (Little Miss Sunshine)

Los norteamericanos a lo largo de la historia cinematográfica nos quisieron vender el sueño americano familiar. El Padre trabajador, la Madre ama de casa, buena mujer, hijos estudiosos y deportistas, un perro juguetón y por que no un gato reposando en un sillón.¿ Todos felices?

Esta comedia rompe con toda esta estructura pre fabricada. Vemos un padre fracasado, una madre descontrolada, un abuelo adicto a las drogas, un hijo adolecente con una promesa de silencio, un tío homosexual con tendencia suicidas y una pequeña niña no muy agraciada.

El film comienza cuando la protagonista, una niña de 9 años desea participar de un concurso de belleza, pero sus cualidades no son las necesarias. Pero pese a la realidad su familia decide acompañarla.

Así los Hoover parten en su camioneta (o lo que queda de ella) hacia California.. En el camino aparecen los roces, los problemas, las diferencias, las historias no resueltas, las peleas irónicas que muestran un excelente guión y extraordinarias interpretaciones; dejando lo anteriormente mencionado, para darse cuenta que ese es parte de su trato cotidiano o terapia familiar.

Una película que conmueve, una película que en algún punto logra que nos veamos reflejados. Una familia particular pero, eso si…unidos pese a las diferencias.

Que sigan bien!!!

Jorgelina Atkinson

Ficha Técnica

Dirección: Jonathan Dayton y Valerie Faris.

País: USA.

Año: 2006.

Duración: 101 min.

Género: Comedia dramática.

Interpretación: Greg Kinnear (Richard), Toni Collette (Sheryl), Steve Carell (Frank), Paul Dano (Dwayne), Abigail Breslin (Olive), Alan Arkin (abuelo).

Guión: Michael Arndt.

Producción: Marc Turtletaub, David T. Friendly, Peter Saraf, Albert Berger y Ron Yerxa.

Música: Mychael Danna.

Fotografía: Tim Suhrstedt.

Montaje: Pamela Martin.

Diseño de producción: Kalina Ivanov.

Vestuario: Nancy Steiner.